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domingo, 15 de diciembre de 2019

NACIMIENTOS – 16/12/2019

Los que se encuentren en Madrid estas Navidades podrán visitar más de 60 nacimientos repartidos por toda la capital.

En el Palacio de Cibeles las figuras que han sido creadas para el Ayuntamiento por el maestro belenista José Mayo destacan por su realismo, el cuidado en cada detalle y su acercamiento casi arqueológico a la época de Jesús de Nazaret. En esta ocasión la Asociación de Belenistas ha montado un diseño escenográfico que los asistentes pueden rodear completamente de modo que, en lugar de la clásica visión frontal, ofrecerá la posibilidad de contemplar las escenas desde todas las perspectivas.

La Plaza de la Villa recupera este año el Misterio que tradicionalmente se instala en la Casa de Cisneros. La antigua sede consistorial acoge un montaje que recrea de forma meticulosa el pesebre y el pueblo de Belén. Plasma fielmente la arquitectura y el ambiente popular de Palestina en el siglo I.

El de la Real Casa de Correos situada en la Puerta del Sol en esta edición es el mayor allí instalado sobre una plataforma de 170 metros cuadrados y más de 400 tallas. El Misterio, es decir la Sagrada Familia, lo componen figuras de 50 centímetros mezclando la escuela madrileña y la catalana de Olot. En el montaje se utilizan 150 metros cuadrados de musgo, 1.700 kilos de arenas y grava, 7.000 tornillos, 1.700 kilos de corcho y miles de litros de agua.

En el salón de los Alabarderos del Palacio Real podrá visitarse el belén que tiene su origen en el Misterio del Príncipe, iniciado por Carlos IV cuando todavía era Príncipe de Asturias. Figuras napolitanas, genovesas y españolas, hicieron de él uno de los conjuntos más importantes del siglo XVIII como se ve en la foto. En los belenes napolitanos cada año se concebía un montaje diferente, tradición que se continúa en la actualidad.

El Museo de Historia de la calle Fuencarral exhibe un belén napolitano del siglo XVIII, que a partir de este año pasará a formar parte de la colección permanente. Es uno de los conjuntos escultóricos más valiosos del museo, ejemplo del espíritu cortesano de la cultura barroca. Está compuesto por cincuenta figuras articuladas, donde se mezclan personajes populares italianos, ataviados según la moda dieciochesca, con aristócratas del mundo oriental, donde la tradición sitúa a los Reyes Magos.

El de la Plaza Mayor estará situado frente a la Casa de la Panadería, en dos casetas de madera, iguales a las 104 que forman parte del mercadillo que, año tras año, sin faltar uno, acuden a esta familiar cita desde 1944.

https://www.abc.es/espana/madrid/abci-ruta-belenes-madrid-navidad-2019-2020-horarios-y-direcciones-201912110110_noticia.html

SOROLLAS

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miércoles, 11 de diciembre de 2019

SOROLLAS – 12/12/2019

Si el Museo del Prado celebra su bicentenario con los espléndidos trabajos sobre papel de Goya, el Museo Sorolla de Madrid exhibe un centenar de trabajos sobre papel del artista valenciano con el título "Sorolla. Dibujante sin descanso", hasta el 10 de mayo, del que forma parte la acuarela "Comiendo uvas" de 1898 que vemos en la foto.

Como advertía el paisajista Aureliano de Beruete, no vaya a creerse que la mayoría de los cuadros de Sorolla fueron creados tan espontáneamente como se pudiera sospechar de la frescura y lozanía de su ejecución. Detrás de los célebres lienzos del maestro de la luz y el color había un dibujante prolífico y constante. Pese a que dejó más de 8.000 dibujos, es una de las facetas menos conocidas del artista.

No los hizo para enmarcar, explica Consuelo Luca de Tena, directora del museo. Apenas los expuso, ni vendió, ni siquiera mostraba a sus clientes. Regaló muy pocos a colegas y amigos. La mayoría, hechos por puro entretenimiento, los conservó en la intimidad familiar. Se han seleccionado para la muestra los dibujos más vistosos, más grandes, más acabados, que son una minoría de su producción. Porque, salvo excepciones, el dibujo de Sorolla es utilitario, es anotación, apunte rápido, ejercicio, idea. De hecho, solía llevar consigo un cuadernillo para poder dibujar en cualquier momento. Nunca se sabe dónde y cuándo puede llegar la inspiración.

Utilizó en sus dibujos muchas técnicas y soportes. En el caso de los bocetos preparatorios para lienzos importantes, empleaba grandes formatos, papeles coloreados y usaba carboncillo combinado con clarión.

Cuelgan buenos ejemplos en la muestra, como dos dibujos previos para sendos retratos de los Reyes Alfonso XIII y Victoria Eugenia, de más de dos metros de altura. El formato pequeño y el lápiz, por contra, los dejaba para sus apuntes del natural. Con la pluma y la aguada creaba efectos más pictóricos y atmosféricos.

Empedernido viajero, experimentó sobre la ciudad moderna en dibujos y notas de color, especialmente en 1911, durante su segundo viaje a EE.UU. Pintó al gouache vistas de Nueva York tomadas desde las ventanas de su hotel y dibujaba en el reverso de las cartas del menú en los restaurantes.

Joaquín Sorolla fue un dibujante de impresiones, dibujaba todo lo que se ponía ante sus ojos. Papel y lápiz le permitieron una aproximación más directa al natural que la propia pintura, captar el instante con mayor rapidez.

"Cuanto más viejo me hago, más me doy cuenta de que el dibujo es el más importante de todos los problemas que presenta completar un cuadro. Al pintar un hombro, poco importa si utilizas tres mil pinceladas o tan solo diez. Lo que realmente importa es que el hombro resulte sólido y esté bien construido". Son palabras del excepcional pintor y genial dibujante.

https://www.abc.es/cultura/arte/abci-sorolla-genial-dibujante-impresiones-201911230055_noticia.html

CUSACHS

P E R I S C O P I O

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domingo, 7 de julio de 2019

CUSACHS – 08/07/2019

Josep Cusachs nació por circunstancias en Montpellier en 1851. Su vida estuvo marcada por la fascinación del mundo de las armas, hasta el punto de participar en la guerra como un soldado más. Pero los sables dejaron paso a los pinceles, hecho que lo llevó a estudiar en París junto con uno de los grandes maestros del género, el pintor militar Édouard Detaille.

Su obra, una de las más conocidas del arte catalán de la segunda mitad del siglo XIX, es objeto de una gran exposición en el Museo Modernista de Barcelona hasta el próximo día 21.

La muestra recoge casi la totalidad de los fondos de este artista propiedad del Ministerio de Defensa. Son 71 piezas, entre dibujos y óleos.

La colección contiene pinturas tan conocidas como “Salida en batería”, que vemos en la fotografía, procedente del Museo del Ejército de Toledo. Se trata de la que para muchos es la obra cumbre en la biografía plástica de este artista, una pieza de grandes dimensiones y que sirve como punto de partida del recorrido.

A estos óleos hay que sumar los 49 bocetos de temática variada procedentes de la Inspección General del Ejército, que se exponen en la primera sala junto a una proyección animada de los mismos. Realizados a lápiz y tinta sobre papel, presentan una temática variada en la que aparecen composiciones, personajes y animales que más tarde se convierten en elementos de los cuadros trabajados al óleo por el artista. Es el taller de este creador y con el que puede analizarlo todo, desde las expresiones de los personajes a sus poses y movimientos, como detenerse en aspectos concretos del calzado.

Su destreza para recrear todo tipo de escenas, su detallismo convirtiendo lo anecdótico en un acontecimiento hizo que no le faltaran encargos, algunos tan destacados como los recibidos del rey Alfonso XIII. Además de asuntos bélicos su paleta también sirvió para retratar a la aristocracia y la burguesía de su tiempo. Pueden contemplarse retratos de los altos cargos del Ejército con apellidos y nombre propio, así como a soldados anónimos que visten uniformes trabajados con asombrosa precisión.

El último segmento de esta retrospectiva tiene como protagonista al caballo, una constante en numerosas de sus pinturas. Es el mejor retratista de este animal en el siglo XIX catalán que acaba adueñándose de muchas de sus composiciones. Todo ello sirve para conocer a un artista pintor de batallas, cronista de su tiempo y sobre todo fascinado con divulgar lo militar.

https://www.larazon.es/local/cataluna/cushachs-pintor-de-batallas-AM23947070

 NACHO ALDAY  

Livre de vírus. www.avast.com.

MAJESTAD

PERISCOPIO

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martes, 9 de abril de 2019

MAJESTAD – 10/04/2019

La mentalidad, los modos de ser, de pensar y de actuar de un pueblo se reflejan en su arte y en todos los aspectos de su vida. Por ejemplo, la escalera de la Catedral de Burgos que reproducimos refleja la idea de majestad como la concibe el español. Esa idea influye profundamente en su visión de Dios.

Él imagina la majestad de una manera muy diferente a la de un francés o un alemán. Posiblemente un alemán haría quitar todos esos adornos pues para ellos la escalera tiene que ser simple, lisa y sin tantos arabescos.

El español comprende la majestad como inmensamente altanera y aislada. El español ve a Dios como un Dios de Sabiduría, un Dios que está a una distancia infinita de los hombres, pero que le invita a escalar esos espacios enormes. Cuanto más sube, más se aproxima de la grandeza divina y más se encanta. El Dios majestuoso es por excelencia el Dios de los españoles. El Dios justiciero encanta al español. Un Dios que mira y que pone una norma que quiere que se cumpla, que se deleita en premiar y también en castigar. Y que hace de la alternancia del castigo y del premio un juego de luces, que para ellos es más bello que el mero premio.

La escalera del grabado representa el fausto, la grandeza, lo que está por encima de todo y que no tiene comparación absolutamente con nada. Tiene algo que invita a la tragedia. No se puede imaginar que detrás de ella exista un pequeño salón rosado, con muebles dorados y grandes ventanas acristaladas, que dejan ver un parque con fuentes de agua y una luz entrando a borbotones. Por el contrario, invita a un recogimiento y a planear muchas y duras luchas, golpes fuertes y conspiraciones tenebrosas. También se percibe el misterio, es una intimidad llena de misterio, una intimidad de oración, una intimidad llena de secretos, que no es una intimidad abierta. Es una puerta que se abre y el hombre se siente tragado por un plan divino, que va a exigirle enormes dedicaciones, enormes esfuerzos, enormes tragedias.

Esta escalera nos muestra, a través de este estilo de alma, uno de los modos por los cuales Nuestro Señor Jesucristo se mostró en esta Tierra. Una de las formas por las cuales Dios se muestra para nuestra adoración. Él se manifiesta de muchas maneras y una de ellas es ésta.

EXTRACTOS DE COMENTARIOS DEL PROF. PLINIO CORRÊA DE OLIVEIRA AUTORIA DE NACHO ALDAY SIN REVISION DEL AUTOR.

MENINAS

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domingo, 7 de abril de 2019

MENINAS – 08/04/2019

Las Meninas, el famoso cuadro de Velázquez, es a justo título uno de los puntos altos del arte.

La gracia infantil y cándida de la Infanta, el cariño lleno de dignidad y respeto de las jóvenes hidalgas que la sirven, la altanería del caballero de Santiago que se ve a la izquierda y que es el propio Velázquez, todo exhala un ambiente recogido, elevado, profundamente civilizado. El estudio atento de esa obra prima, además de enaltecer el sentido artístico, es altamente formativa para el alma humana.

Es un cuadro fruto del orden, del talento, de la cultura, de la civilización y presenta en sus imponderables una marca profundamente cristiana.

Sin embargo, si lo comparamos con la copia hecha por Picasso de la inmortal obra veremos que es como si el observador tuviese una súbita perturbación en la vista, en los nervios o en la mente y las armonías del cuadro fuesen deshaciéndose en él.

Lo contrario jamás podría ocurrir. Si alguien examinase la copia del comunista Picasso y comenzase a sufrir de la vista, de los nervios o de la mente, jamás llegaría a ver a Las Meninas de Velázquez.

Es que su cuadro es producto del desorden, de la extravagancia, del desequilibrio, de la intemperancia. Sólo puede proceder de las pasiones desordenas o de una enfermedad.

Nuestro arte no puede ser el del comunismo, ni el del neopaganismo occidental, por el simple hecho de que somos católicos.

Los comunistas comprenden que un vasto sistema de ideas filosóficas, sociales y económicas tiene que generar necesariamente un arte con un cuño propio, que será bueno o malo según sea verdadero o falso el sistema. Y, sin embargo, esta teoría encuentra, a la par de muchos aplausos, muchas resistencias opuestas en espíritus deformados por el liberalismo. Sirva por lo menos de lección la coherencia de los adversarios.

EXTRACTOS DE COMENTARIOS DEL PROF. PLINIO CORRÊA  DE OLIVEIRA SIN REVISION DEL AUTOR, A CUENTA DE NACHO ALDAY.

NACHO ALDAY - RIJKSMSEUM

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domingo, 17 de febrero de 2019

NACHO ALDAY - RIJKSMUSEUM - 18/02/2019

El Rijksmuseum es el museo nacional de los Países Bajos que cuenta con más de 5000 obras de arte y tiene un claro enfoque en la pintura de la Edad de Oro holandesa. Su colección abarca más de 800 años de historia del arte, desde la Edad Media hasta nuestros días, que transportan a la vida de otros tiempos en un majestuoso edificio situado en la Museumplein de Ámsterdam.

Fue inaugurado el 31 de mayo de 1800 siguiendo el ejemplo del Louvre. Su primera sede fue un palacio cerca de La Haya con el nombre de Galería Nacional de Arte. En 1808 se trasladó a la capital instalando la colección en tres salas del Palacio Real y tras pasar por varias ubicaciones finalmente en 1885 se radicó en el actual edificio construido por el arquitecto Pierre Cuypers quien combinó elementos góticos y renacentistas decorándolo ricamente con referencias a la historia del arte neerlandés.

El Rijks alberga obras significativas de casi todos los grandes maestros neerlandeses de los siglos XV al XVII como Geertgen tot Sint Jans, Lucas van Leyden, Hendrick Goltzius, Frans Hals, Ferdinand Bol, Nicolaes Maes, Guerrit Dou, Jacob Ruysdael, Hendrick Avercamp, Esaias van de Velde, Johannes Torrentius, Aelbert Cuyp, Gabriel Metsu, Willem van de Velde o Jan van der Heyden.

De Hals destaca la obra El alegre bebedor. De Johannes Vermeer, pintor del que se conocen menos de 40 obras, se reúnen aquí varias de las más famosas como La lechera, Mujer leyendo una carta, La carta y La callejuela. Del maestro Rembrandt van Rijn un generoso repertorio como La ronda de noche, La novia judía, El árbol de Jesé, La muerte de los inocentes, Jeremías lamentando la destrucción de Jerusalén, Los síndicos del gremio de los pañeros y varios paisajes de los antiguos Países Bajos.

Los estudios sobre los cuadros holandeses pusieron de manifiesto el carácter fuertemente moralizador de las escenas de la vida cotidiana. La finalidad de la pintura no era simplemente imitar y entretener sino también edificar moralmente e instruir. La idea de la pintura como un espejo de la virtud que instruye al espectador, amonestando el mal comportamiento, se generalizó.

Cuenta también con pintores de otros países, como Fra Angélico, Piero di Cosimo, Hugo van der Goes, Peter Paul Rubens y Francisco de Goya, así como con numerosos dibujos, grabados, porcelanas, mobiliario y demás artes decorativas.

SINDICOS

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lunes, 7 de enero de 2019

SÍNDICOS – 08/01/2019

Rembrandt es el artista más destacado de la escuela holandesa a lo largo de las diferentes etapas artísticas. Provenía de una acomodada familia que pudo darle una esmerada educación, llegó a cursar en la universidad de Leiden, pero pronto abandonó los estudios para ingresar en el taller de un pintor local. Luego abrió su propio taller haciéndose con un buen número de encargos y clientes importantes. Se trasladó a Ámsterdam donde se casó profundamente enamorado con la hija de su marchante.

En 1662 la Corporación de Fabricantes de Paños le encargó un gran lienzo, más de metro y medio de altura y dos ochenta de anchura, que debía representar a los principales cargos de la corporación. Los síndicos eran una de las figuras dentro del proceso de fabricación de tejidos encargados de que la tela se tiñese adecuadamente.

En una mesa cubierta por un espectacular paño rojizo y dispuesta en diagonal desde el primer plano, los síndicos se arremolinan en torno a la figura de su presidente quien les muestra el libro de cuentas de la compañía, más la figura sin sombrero de un artesano de especial importancia por haber descubierto un nuevo proceso en el teñido de las telas. El artista supo realizar un perfecto estudio psicológico de cada uno de los personajes cuyo rostro delata su propia personalidad. Utilizando su característica luz que provoca contrastes entre zonas de luz y sombra, aumenta los contrastes por el colorido oscuro de los trajes y el blanco de los cuellos.

El admirable cuadro titulado los síndicos de los pañeros presenta unos burgueses plácidos, estables, dignos, prósperos, y de mirada inteligente. Fueron hombres que, con medios de comunicación aún inciertos y lentos, lanzaron en todas las direcciones la red de sus actividades y pusieron las bases del comercio moderno. Su obra fue realizada en la tranquilidad y casi diríamos en el recogimiento. Reflejan la atmósfera peculiar de su época. Lección fecunda para el mundo moderno, cada vez más devastado por las neurosis.

Excertos de comentarios del Prof. Plinio Corrêa de Oliveira sin revisión del autor